Sonoteca

Tocando en la montaña - Entrevista con Vlubä (Argentina)

2011-08-28T18:01:16Z

1.- Díganos el año de formación, lugar y cantidad de integrantes de su proyecto musical y principales producciones.

Empezamos allá por mediados de los 90's, aquí en Buenos Aires, pero nuestro primer álbum recién fue publicado en el 2004 por el sello estadounidense 23 productions. En la actualidad Vlubä somos nosotros dos (Lula y Aphra), pero pasaron muchos colaboradores que esporádicamente dieron y dan lo suyo. Producciones.. puff... muchas y todas importantes.

2- ¿Qué lugar ocupa su proyecto musical en la tradición de su país y cómo es su relación con artistas de experimentación sonora también de su país?

La verdad que no lo sabemos...

3- Qué opina de la actualidad de la experimentación sonora en Latinoamérica. Con qué artistas siente empatía o ha tenido contacto?

Creo que está teniendo una muy buena expansión en el mundo y que ella se debe centralmente en la cantidad de medios que existen disponibles para su distribución. Tenemos gran empatía con varios artistas finlandeses (Uton, Keijo, etc...), neozelandeses (Anthony Milton, Futurians, etc...), australianos (Botos, 6Majik9, etc...) como peruanos (Liquidarlo Celuloide, Tomas Tello, Ayahuasca Dark Trip, etc...) como argentinos (Alan Courtis, Salvador Cresta, Feche, etc...) como
miles más dentro de esta cosmogonía.

4- Cree que existe algo que identifica a la experimentación sonora de Latinoamérica? Qué la
diferencia de Europa, Asia o Estados Unidos?

Sí, creo que el gran factor que nos diferencia con el resto son los recursos económicos... y la gran cantidad de espacios que se dan para poder mostrarse.

]]> 5- ¿En qué espacios ha tocado o suele tocar en su país?

Pocos en la ciudad. Más bien grutas, entre las montañas, bastante apartados de la civilización por así decirlo.

6- ¿Cuales son los artistas que más admira, tanto de música como de otras disciplinas?

Con el tiempo son tantos que es difícil de hacer una lista... No sé, Jodorowsky, Beefheart, Lou Reed, Atahualpa Yupanqui, Mente Fría, Tzara, Jesús, Mickey, Vincent Price, Von Trier, Los indios Comechingones... y un largo etcétera.

7- ¿Puede contarnos qué equipo /software prefiere para producir sonidos?

Para producir sonidos... pues preferimos sistemas analógicos más que digitales, aunque usamos de todo...

8- Qué significa para usted hacer experimentación sonora en la actualidad?

Lo mismo que significaba al principio: romper con las estructuras del arte.

Trance psicodélico - Entrevista a Juan Diego Capurro de Liquidarlo Celuloide

2011-08-27T17:09:40Z

1.- Díganos el año de formación, lugar y cantidad de integrantes de su proyecto musical y principales producciones.

Nace el 2003 en Lima. Actualmente somos cinco músicos y los discos de la banda son: "Fiebre de lo misterioso" (2003), "Pradera Tóxica" (2003), "No mas video" (2005), "Espectro piel de reptil" (2009), Cruzyficción Monosódica" (2010) y "Sinapsis" (2010).

2- ¿Qué lugar ocupa su proyecto musical en la tradición de su país y cómo es su relación con artistas de experimentación sonora también de su país?

La banda se encuentra en el punto medio entre la escena experimental ruidista y la escena de rock psicodélico en Lima. Esto nos da un lugar algo contradictorio pero estimulante. Sin ser parte de una escena específica somos parte de muchas. Nos integramos y dialogamos con distintos tipos de sonidos, porque todos somos lo suficiente melómanos como para admitir que no tenemos una sola forma de interés, buscando amalgamar todos ellos en una misma experiencia sonora.

3- Qué opina de la actualidad de la experimentación sonora en Latinoamérica. ¿Con qué artistas siente empatía o ha tenido contacto?

Yo creo que está creciendo, la veo muy activa por el Internet y se esta complejizando. Soy muy amigo y fan de Vlubä. Encuentro extremadamente estimulante su trabajo, y tengo algunos otros buenos referentes en su país, Argentina, así como en Chile, Ecuador, Colombia, Uruguay, Costa Rica. La escena en Latinoamérica es vasta, aun me queda mucho por conocer pero lo que ya voy viendo es sumamente bueno.

]]> 4- Cree que existe algo que identifica a la experimentación sonora de Latinoamérica? ¿Qué la diferencia de Europa, Asia o estados unidos?

No realmente, En algunos casos la fusión de elementos latinos, tal vez, pero no es un lugar común. Por suerte en este momento se puede medir el talento de los artistas por sí mismos y no por su ubicación en el globo.

5- ¿En qué espacios ha tocado o suele tocar en su país?

Bares, centros culturales, Teatros, edificios abandonados. Conciertos de distintos tipos, en distintos espacios. Nos podemos adecuar a la formas de evento y modular lo que ejecutamos en función de eso.

6- ¿Cuales son los artistas que más admira, tanto de música como de otras disciplinas?

William Burroughs, Werner Herzog, David Cronenberg, Can, Devo, Sonic Youth, Throbbing Gristle, Neubaten, Cabaret Voltaire, Brian Eno, Six Finger Satelite, Miles Davis, Boards of Canada.

7- ¿Puede contarnos qué equipo /software prefiere para producir sonidos?

Los Casiotones semiprofesionales de mediados de los noventa. Me parecen una hermosa herramienta en peligro de extinción. Todo lo que pueda ser grabado y procesado.

8- ¿Qué significa para usted hacer experimentación sonora en la actualidad?

Significa hacer música de la mejor manera en que se puede hacer. El abuso de las formulas ajenas y la sensación de que no hay nada nuevo por descubrir deben ser extirpados del sistema. Sin experimentación no hay comunicación real..

Ruido al alcance de todos - Entrevista a La Mugre Roja de Uruguay

2011-08-26T16:57:35Z

1.- Díganos el año de formación, lugar y cantidad de integrantes de su proyecto musical y principales producciones.

Se puede decir que empecé con La Mugre Roja en la adolescencia tardía (finales de los 90s?) cuando, luego de que dos intentos fallidos de formar bandas noise punk terminaron antes del primer ensayo por "diferencias artísticas". Ahí se me hizo claro que no iba a encontrar fácilmente gente con la que congeniar musicalmente y empecé a tocar con una especie de orquesta de grabadores; iba grabando en casetes diferentes pistas y las reproducía todas al mismo tiempo y me cumplían las funciones de banda de acompañamiento. Fue ahí que descubrí fascinado las posibilidades sonoras de sobre grabar varias capas sonidos y crear murallas de ruido con una simple guitarra acústica y objetos que iba encontrando en mi casa. El asunto es que abandoné (no me acuerdo porque) esa idea durante años y recién la retomé en el 2005 y en realidad ya ni siquiera hago eso. Todo esto en Montevideo, por supuesto. El integrante principal soy yo sólo, que compongo y trabajos las ideas, todo pero suelo invitar a distinta gente para tocar o grabar (generalmente integrantes de las otras bandas que tengo Fiesta Animal y Campo Santo). Tengo 3 discos (La Mugre Roja, La Mugre Negra, La muerte tiembla la tierra) y un Ep (Rock n roll EP).

2- ¿Qué lugar ocupa su proyecto musical en la tradición de su país y cómo es su relación con artistas de experimentación sonora también de su país?

No tengo idea qué lugar ocupa y creo que es un poco temprano para evaluarlo, aunque me encantaría terminar formando de alguna manera como parte de la tradición musical de mi país, ya que realmente creo que el arte siempre pertenece a un tiempo y lugar determinado. Mi relación se puede decir que es buena, aunque en realidad no estoy tan metido dentro de la escena de experimentación sonora de mi país (soy más bien del lado extremo y experimental de rock) y no conozco a todo el mundo.]]> Normal 0 21 false false false ES-PE X-NONE X-NONE

3- Qué opina de la actualidad de la experimentación sonora en Latinoamérica. Con qué artistas siente empatía o ha tenido contacto?

Básicamente creo que deberíamos conocernos más entre todas las personas de este continente ya que en general sabemos más de lo que pasa en Europa, Japón o EEUU que en los países vecinos. Muchas de las cosas que conocí me partieron la cabeza, otras me dejan indiferente, pero no puedo opinar mucho ya que tengo la impresión que solo conozco el 0,002% de la producción experimental del continente, encuentros como el de Lima van a ayudar a remediar eso.

4- Cree que existe algo que identifica a la experimentación sonora de Latinoamérica? Qué la diferencia de Europa, Asia o Estados Unidos?

Me gustaría creer que sí. Si no podemos dar algo distinto, no deberíamos ni existir, ni destacarnos , ni nada y deberíamos ser olvidados fácilmente. Pero como dije en la respuesta anterior, solo conozco la superficie del asunto y me da la impresión de que tengo un universo entero por descubrir.

5- ¿En qué espacios ha tocado o suele tocar en su país?

Donde venga: la calle, antros rockeros, antros "cool", teatros, salas de conciertos, casas, fiestas. Básicamente; donde me inviten.

6- ¿Cuales son los artistas que más admira, tanto de música como de otras disciplinas?

Esta pregunta seria infinita de responder ya que me paso todo la vida consumiendo arte de todo tipo y muchísimas cosas me influencian y me han influenciado. Los primeros nombres que vienen a la mente siempre son Alfred Hitchcock, Luis Buñuel, Philip K Dick, Robert Crumb, John Lydon, Throbbing Gristle, Velvet Underground, Dario Argento, Lucio Fulci, Genesis P Orridge, Bertold Brecht, Clint Eastwood, Sergio Leone, Ennio Morriconne, Guy Debord pero esta lista es prácticamente infinita.

7- ¿Puede contarnos qué equipo /software prefiere para producir sonidos?

No soy nada nerd con esto, uso lo que haya disponible, me da lo mismo. Si uno es bueno debe poder hacer música con palos y piedras. Me gustan las cosas viejas, rotas y no muy perfectas, me marean y bloquean la multiplicidad de opciones: prefiero un bajo malo y desafinado con dos cuerdas rotas que un sintetizador con un millón de sonidos posibles.

8- Qué significa para usted hacer experimentación sonora en la actualidad?

Bueno, significa aventurarse a lo desconocido y a crear un universo personal, cosa que no veo muy seguido. Lo peor que le pasa a la experimentación sonora en la actualidad es que tiende a convertirse en una especie de género con reglas y limitaciones, debería ser exactamente lo contrario.

INTEGRACIONES I - Encuentro de experimentación sonora en Latinoamérica

2011-08-23T22:23:32Z

Total Audición - Entrevista con Christian Proaño de Ecuador

2011-08-23T21:37:55Z

1.- Díganos el año de formación, lugar y cantidad de integrantes de su proyecto musical y principales producciones

Yo he trabajado en las artes sonoras y la producción musical desde el año 2000, en que realicé la primera exposición de una escultura que incluía elementos sonoros, en Quito, en la Casa de la Cultura. He expuesto varias esculturas sonoras desde entonces y grabado varios discos autoproducidos, y si bien he trabajado la mayoría de veces en solitario colaboro activamente con algunos otros artistas ruidistas de Quito.

2- ¿Qué lugar ocupa su proyecto musical en la tradición de su país y cómo es su relación con artistas de experimentación sonora también de su país?

Soy uno de los pocos artistas sonoros del Ecuador, y entre los que nos conocemos colaboramos activamente en producciones, remixes, proyectos, tocadas. Soy parte de la Red de Compositores del Ecuador, que aglutina sobretodo compositores vanguardistas, y de la red de ruidistas Quiteño Libre, que aglutina gente dedicada al ruido, y entre ambas redes organizamos eventos y difundimos grabaciones. Mi proyecto musical tiene un lugar sobre todo en las artes contemporáneas, tomándome galerias, espacios públicos, y salones de arte, pero también en festivales de música y de artes escénicas o de video. ]]> Normal 0 21 false false false ES-PE X-NONE X-NONE

3- Qué opina de la actualidad de la experimentación sonora en Latinoamérica. Con qué artistas siente empatía o ha tenido contacto?

No conozco con amplitud con respecto a la experimentación sonora a nivel Latinoamericano, he tenido contacto con miembros de la escena Limeña y argentina, y algo de la colombiana. Gracias a Oido Salvaje de Quito he entrado en contacto con algunos musicos como Mugre a quien admiro mucho, y a través de Christian Galarreta y Armenia, que han pasado por Quito, he entrado en contacto con Jorge Haro y su sello Sudamerica Electrónica, y con algunos ruidistas de norteamerica. Dado que estudié en el Reino Unido, tengo también algo de contacto con la escena londinense, sobre todo la underground okupa techno.

4- Cree que existe algo que identifica a la experimentación sonora de Latinoamérica? Que la diferencia de Europa, asia o estados unidos?

No sé qué decir al respecto.

5- ¿En qué espacios ha tocado o suele tocar en su país?

Donde haya chance, desde galerías y teatros hasta plazas, estaciones de trenes, o la calle. Toco donde me dejen.

6- ¿Cuales son los artistas que más admira, tanto de música como de otras disciplinas?

John Cage, Jean Rouch, Alvin Lucier y los otros de la Sonic Arts Union, Tinguely, Christian Marclay, Bruce la Bruce, Morton Feldman, LaMonte Young, la lista no debería acabar ni mi memoria, conversando seguramente surgirán los nombres que ahora olvido.

7- ¿Puede contarnos qué equipo /software prefiere para producir sonidos?

Por el momento estoy embalado en enseñarme Pure Data, trabajao también en MAX/MSP pero con un crack, y también hago sonidos acusticamente que registro y luego toco en vivo por lo que ustilizo desde Final Cut y Live hasta PureData al final del proceso.

8- ¿Qué significa para usted hacer experimentación sonora en la actualidad?

ESCUCHARNOS MUTUAMENTE

Fuentes ruidistas - entrevista con aUTOPerro de Costa Rica

2011-08-22T16:12:31Z

1.- Díganos el año de formación, lugar y cantidad de integrantes de su proyecto musical y principales producciones.

Entidad paramusical integrada por los arquitectos Fernando Arce (sintetizadores analógicos y digitales, fuentes acústicas y concretas) y Mauricio Ordóñez (fuentes acústicas y concretas procesadas electrónicamente). Surgida en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Costa Rica, en 1980.

Discografía: "Breve Paisaje Ruidoso", en coproducción con el Centro Cultural de España en CR, Costa Rica, 2003. "Sonar a Caballazos", edición propia, Costa Rica, 2010. "Autoperro en Radio Paladín", edición propia, Costa Rica, 1997. Participación, con la composición RaDio PLDIN, en la "Antologia de Música Electroacústica Vol.1", producida por el grupo Oscilador, coproducción ICAT-CIDEA y ArteKorum, Costa Rica, 2008. Participación, con la composición CHLLS, en la antología "Música Salvaje desde el Infinito Cosmos", Buh Records, Perú, 2010. Algunas piezas incorporadas a la Colección de Música Electroacústica Latinoamericana, bajo el auspicio de The Daniel Langlois Foundation for Art, Science and Technology, UNESCO.

2- ¿Qué lugar ocupa su proyecto musical en la tradición de su país y cómo es su relación con artistas de experimentación sonora también de su país?

Uno de los pioneros en la música electroacústica del país. Ha participado de la comunidad electroacústica costarricense Oscilador. Colaboración con José Duarte y otros. Premio nacional en música electroacústica, por la Asociación Costarricense de Autores y Músicos Costarricenses ACAM, 2011.

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3- Qué opina de la actualidad de la experimentación sonora en Latinoamérica. Con qué artistas siente empatía o ha tenido contacto?

No hemos tenido mucho contacto. Hasta ahora, gracias a Uds, aumentan nuestro enlaces.

4- Cree que existe algo que identifica a la experimentación sonora de Latinoamérica? Qué la diferencia de Europa, Asia o Estados Unidos?

Quizá no haya muchas diferencias. Las principales características pueden venir en el uso de ciertas fuentes acústicas y concretas propias de nuestro entorno.

5- ¿En qué espacios ha tocado o suele tocar en su país?

Desde bares hasta auditorios, desde lecherías hasta bodegas.

6- ¿Cuales son los artistas que más admira, tanto de música como de otras disciplinas?

Lista demasiado larga y corta a la vez, mencionarlos resulta difícil y siempre incompleto. Si podemos decir que nuestra paleta estética resume protofuturismo tecnológico, música académica electroacústica, música electroalucinógena, visceralismo primitivo y rockero, y gargarismos extralinguísticos. Y un activismo sociopolítico contextualizado.

7- ¿Puede contarnos qué equipo /software prefiere para producir sonidos?

Sintetizadores analógicos y digitales, procesador electrónico. Fuentes acústicas y concretas, en vivo o grabadas. Las fuentes acústicas incluyen herramientas, juguetes, gargarismos y diversos utensilios y materiales. El único software usado es para la edición de pistas utilizadas como bases estables, sobre las cuales improvisar en vivo.

8- ¿Qué significa para usted hacer experimentación sonora en la actualidad?

Tratar de generar cosas nuevas o interesantes mediante los recursos de la investigación y la improvisación. Y saber callar cuando escasean las ideas.

Conferencia - Del Di Tella a la revolución digital

2011-08-17T21:06:12Z

Del Di Tella a la revolución digital:
Vanguardia, tecnología y sonido en la actual experimentación latinoamericana.
INTEGRACIONES I - Encuentro de Experimentación Sonora en Latinoamérica
Jueves 25 de agosto a las 7:00 p.m. - Previa inscripción vía web
A cargo de: Norberto Cambiasso (Argentina)

Los comienzos de una experimentación musical integral en América Latina pueden remontarse a la experiencia del CLAEM (Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales), en el contexto del Instituto Di Tella de Buenos Aires durante la década del "60. Los recorridos posteriores han tendido a alejarse del rigorismo formal de las músicas electroacústicas para abrazar una diversidad de posibilidades sonoras.

Los desarrollos tecnológicos no sólo han acompañado esa evolución. Han transformado por completo los modos de hacer música, las presentaciones en vivo y los circuitos de producción, distribución, circulación y consumo del evento sónico. Reflexionar sobre algunas de estas transformaciones, con referencias a casos concretos de la música de la región, constituye el motivo principal de esta conferencia.

Norberto Cambiasso (Argentina)
Buenos Aires, 1965. Fue editor y director de la revista Esculpiendo Milagros, pionera en lengua hispana en la difusión de músicas experimentales y rock europeo. Da clases de Comunicación, Estética y Crítica Cultural en la Universidad de Buenos Aires, la Universidad Nacional de Quilmes, la Universidad Nacional de La Plata, el Conservatorio de Música Manuel de Falla y la Fundación Walter Benjamin.
Es coautor, junto a Alfredo Grieco, del libro Días Felices: los usos del orden de la Escuela de Chicago al Funcionalismo; coeditor, junto a Julián Ruesga, del libro Más allá del rock; y codirector, junto a Daniel Varela, del proyecto Archivo sobre Músicas Experimentales Argentinas para el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) Integra el consejo de redacción de la revista española Parabólica.
Ha escrito numerosos artículos sobre temas que van desde el teatro a la política internacional, aunque su principal interés consiste en las relaciones entre arte, música experimental y contextos sociopolíticos. Actualmente se encuentra trabajando en dos libros, uno sobre música progresiva en Gran Bretaña durante los setentas y otro sobre arte y cultura de masas en Estados Unidos durante la década del "50.

Invitados - INTEGRACIONES I - Encuentro de experimentación sonora en Latinoamérica

2011-08-17T20:28:02Z

INTEGRACIONES I
Encuentro de experimentación sonora en Latinoamérica
24, 25 y 26 de agosto - Centro Fundación Telefónica
Lima, Perú. 2011

Invitados Internacionales:

VLUBÄ (Argentina)
Vlubä es un grupo argentino (o extraterrestre) integrado por Müriscia Divinorum y Aphra Kadabra y vaya a saber quiénes más... cuya base de operaciones se encuentra, según dicen ellos, en la mismísima Luna. Aunque existen como tal desde fines de la década del '90, recién a partir del 2004 sus ediciones han comenzado a aparecer en pequeños sellos independientes alrededor del mundo. Su música consiste en una serie de improvisaciones, especies de space-jam sessions con unos pocos instrumentos ejecutados con técnicas "extendidas"(?), varios instrumentos inventados, micrófonos de contacto y un uso considerable de efectos electrónicos que ayudan a la transformación del sonido, todo con una rigurosa voluntad Lo-Fi. Si bien sus presentaciones en vivo son escasas, suelen detentar un marcado carácter performativo y no eluden la confrontación polémica.
La ira, el nihilismo y la decepción del post-punk y el posindustrial de la Gran Bretaña tatcheriana repercuten en un paralelo impensado con la Argentina en decadencia del siglo XXI.
(Norberto Cambiasso)

La Mugre Roja (Uruguay)
La Mugre Roja es un proyecto musical liderado por Martín Canova y que nació al mismo tiempo que su trabajo con Fiesta Animal, al punto que los primeros encuentros de Fiesta Animal fueron originalmente sesiones de grabación para la Mugre Roja. Ha grabado y editado 4 discos: La Mugre Roja (Young Girls, Bélgica, 2007), La Mugre Negra (La Mugre Negra, Ezquizodelia, 2008, Uruguay), Rock n Roll EP (Ezquizodelia, 2009, Uruguay) y La muerte tiembla la tierra, el día de las mujeres (Inmaculate, 2010, Bélgica). También participó en el compilado Música Salvaje desde el Infinito de Buh Records (2011). En estos primeros discos las composiciones fueron grabadas en intensas y largas (aunque aisladas) sesiones en donde se trabajó de la manera más intuitiva e inconsciente posible, alrededor de conceptos tanto concretos como abiertos, mezclando instrumentos con cintas grabadas por él mismo o amigos/colegas a los que le pide colaborar especialmente. El show que presentara en Lima será una suerte de work in progress de esta nueva etapa.

aUTOperro (Costa Rica)
Entidad paramusical que surgió en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Costa Rica en 1980. Fuentes electrónicas, acústicas y concretas, con manifestaciones visuales y espaciales. Registros en pista e improvisación inconsulta en vivo, entrelazados. Su paleta estética resume protofuturismo tecnológico, música académica electroacústica y electro-alucinógena, visceralismo primitivo y rockero, y gargarismos extralinguísticos. Activismo sociopolítico contextualizado.
Integrado por los arquitectos multidiseñadores Fernando Arce (sintetizadores analógicos y digitales, fuentes acústicas y concretas), Mauricio Ordóñez (fuentes acústicas y concretas procesadas electrónicamente), y Douglas Morales, en el despliegue corporal. aUTOPerro editó el disco "Breve Paisaje Ruidoso" en el 2003, en coproducción con el Centro Cultural de España en Costa Rica. Además de sus conciertos autogestionados en diversas salas y escampados, ha participado en el marco de diversos encuentros como: Electro Music World Fest 2003, festival FUSION 2004 en El Semáforo y FUSION 2005 en Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, II Festival de Música Contemporánea - XV Foro de Compositores del Caribe 2005, y en el VI Seminario de Composición Musical en el 2006. Música difundida en algunas radioemisoras de Holanda, Argentina y Costa Rica, y en el Sonic Lounge de Plataforma 06 Puebla. Alguna piezas han sido incorporadas a la Colección de Música Electroacústica Latinoamericana, bajo el auspicio de The Daniel Langlois Foundation for Art, Science and Technology.

Christian Proaño (Ecuador)
Quito, 1979, Bachiller en Artes Gráficas, egresado del Colegio Universitario de Artes Plásticas de Quito; Licenciado en Artes Sonoras, graduado de la Universidad de Middlesex, de Londres, Inglaterra; y actualmente maestrante en Antropología Visual en la Flacso de Quito. Ha realizado intervenciones performáticas en los festivales del Sur y de Música Contemporánea en Quito y la Bienal de Música de Loja . Ha sido el curador de la exposición de Arte Sonoro en El Container de Quito y director artístico del 10mo Festival de Música Contemporánea de Quito. Trabaja sobre temas de reciclaje y ruido en alta y baja tecnología, representaciones en los medios, la interactividad y la multisensorialidad. Su trabajo es audiovisual, performático y objetual. Además ha colaborado extensivamente con las artes escénicas en el diseño de audio y video y en el performance en vivo. Obtuvo el tercer premio del 9no Salón de Artes de la Fundación El Comercio.

Norberto Cambiasso (Argentina)
Buenos Aires, 1965. Fue editor y director de la revista Esculpiendo Milagros, pionera en lengua hispana en la difusión de músicas experimentales y rock europeo. Da clases de Comunicación, Estética y Crítica Cultural en la Universidad de Buenos Aires, la Universidad Nacional de Quilmes, la Universidad Nacional de La Plata, el Conservatorio de Música Manuel de Falla y la Fundación Walter Benjamin.
Es coautor, junto a Alfredo Grieco, del libro Días Felices: los usos del orden de la Escuela de Chicago al Funcionalismo; coeditor, junto a Julián Ruesga, del libro Más allá del rock; y codirector, junto a Daniel Varela, del proyecto Archivo sobre Músicas Experimentales Argentinas para el Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) Integra el consejo de redacción de la revista española Parabólica.
Ha escrito numerosos artículos sobre temas que van desde el teatro a la política internacional, aunque su principal interés consiste en las relaciones entre arte, música experimental y contextos sociopolíticos. Actualmente se encuentra trabajando en dos libros, uno sobre música progresiva en Gran Bretaña durante los setentas y otro sobre arte y cultura de masas en Estados Unidos durante la década del '50.

Invitados Nacionales:

Trio de Improvisación Sonora: Marco Mazzini (Clarinete), Teté Leguía (Bajo) y Pedri Fukuda (Batería)
Son tres de los mejores exponentes de la improvisación en Lima. Mazzini con una amplia trayectoria como instrumentista radicado en Bélgica y Leguía (bajo) y Fukuda (percusión) como miembros del conjunto de experimentación Tanuki Metal, recordado por la confluencia de una serie de influencias, de sonidos, de estilos, de propuestas, una banda que se instaló en una tradición por llevar al límite sus propias capacidades como instrumentistas, para estirar el género que sea hasta donde se pueda, hasta que otro tome la posta.

Marco Antonio Mazzini
El clarinetista peruano Marco Antonio Mazzini se ha presentado como miembro de diferentes ensambles en salas de conciertos tan prestigiosas como Carnegie Hall (Nueva York), Tama Center (Tokio), Palacio de Bellas Artes (Bélgica), Conservatorio de París (Francia), Radio Nacional de Bratislava (Eslovaquia), FilmMuseum (Amsterdam), DeBijloke (Bélgica) y el Centro Cultural Gasteig (Alemania). Además ha dictado clases maestras y ofrecido recitales en España, Italia, Polonia, República Checa, Austria, Japón, Bélgica, Luxemburgo, Francia, Holanda, Alemania, Estados Unidos, Costa Rica, Bolivia, Guatemala, México y Argentina. Su sobresaliente carrera internacional le mereció un "Chaski de Oro" que le otorgó el Ministerio de Educación en noviembre del 2008. Estudió improvisación en el Conservatorio Real de Gante (Bélgica) con Daan Vandewalle y en la prestigiosa Abbey Royamount en París, Francia. En el Perú, ha fundado la "Orquesta Peruana de Clarinetes" y el "Ensamble de Clarinetes de Lima" con quienes acaba de grabar un primer disco, el primero realizado por un ensamble de clarinetes en el Perú.
Actualmente, es profesor de clarinete del Conservatorio Nacional de Música en Lima y profesor de clarinete y música de cámara en la Escuela de Música de la Universidad Católica. El maestro Mazzini es representante del Perú ante la Asociación Internacional de Clarinetes, artista de Cañas Gonzalez de Argentina y desde junio del 2011 es artista exclusivo de la prestigiosa firma francesa Buffet Crampon.

Liquidarlo Celuloide
Es una banda de noise rock psicodélico que inicia su carrera a principios de 2003 con la edición de su primer álbum "Fiebre de lo misterioso" (2003). En esta etapa era el proyecto experimental en solitario de Juan Diego Capurro, líder e ideólogo de la banda. Su sonido, por entonces, estaba más vinculado a un low fi perturbador e hipnótico, concebido como música incidental para películas de horror inexistentes. Siguiendo esta línea, a finales de ese mismo año edita "Pradera Tóxica" (2003), disco que llamó la atención de la prensa especializada independiente de Lima. El 2010 la alineación de la banda incluye a Alfonso Vargas en la batería y Javier Manrique en la guitarra. Producto de esta unión, al año siguiente nacerán tres trabajos: el split de Liquidarlo Celuloide y Animal Machine, que incluye el ep "Escila" (2010) y sus dos más reconocidos discos, editados simultáneamente por la disquera Buh Records: "Cruzyficción Monosódica" (2010) y "Sinapsis" (2010). El 2011 se unen, Efrén Castillo Posadas, como segunda guitarra y Giancarlo Rebagliatti en el bajo.

El Lazo Invisible
José Ignacio López Ramírez Gastón (a.k.a. El Lazo Invisible) es un artista sonoro y productor musical que trabaja en Lima desde 1985 y en la frontera San Diego/Tijuana desde 1998. Es magister en Computer Music de la Universidad de California en San Diego (UCSD) y actualmente realiza su tesis de doctorado. Se desempeña como investigador del Center for Research in Computing and the Arts (CRCA) y el Instituto de Etnomusicología de la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP), siendo además profesor de la Escuela de Música de la misma institución. Ha presentado su trabajo musical y académico en diferentes ciudades del mundo como: Barcelona, Berlín, Belfast, Nueva York, Sao Paulo, Santiago, Ciudad de México, etc.

Brayan Buckt (Ayahuaska Dark Trip)
Dentro de las antiguas culturas, la música siempre tuvo un papel importante; al punto en que estaba reservada solo para ceremonias y rituales. Con el paso del tiempo, el carácter ceremonial de la música se ha ido perdiendo poco a poco. Este proyecto es un intento de recuperar todo el ritual que significaba hacer música, recuperar la esencia mística y desconocida sobre la cual se interpretaba.

INTEGRACIONES I - Encuentro de experimentación sonora en Latinoamérica

2011-08-17T19:57:09Z

INTEGRACIONES I
Encuentro de experimentación sonora en Latinoamérica
24, 25 y 26 de agosto - Centro Fundación Telefónica
Lima, Perú. 2011

Los últimos diez años han sido prolijos en investigación respecto a los orígenes de la experimentación sonora en Latinoamérica. Eso, sin embargo, no parece haber sido suficiente para consolidar redes de intercambio sólidas en las que puedan darse a conocer diversas propuestas sonoras. Integraciones I, propone cambiar el panorama y ser un festival que genere un diálogo entre propuestas musicales experimentales sin sesgo de ningún tipo, desde el free jazz, el arte sonoro, la experimentación electrónica, el noise, el paisaje sonoro, la psicodelia, etc. La convivencia en la diferencia es aquí la clave para encontrar una unidad que refleje lo que actualmente ocurre en materia de experimentación sonora en nuestros países.

Integraciones I tendrá diversas actividades, entre conciertos, conferencias y talleres. Nos visita el dúo Autoperro, de Costa Rica, pionero de la música electrónica e industrial en Latinoamérica (activos desde principios de los 80s). El ecuatoriano Christian Proaño, gran exponente del sound art, nos mostrará la singularidad de sus performances sonoras en las que emplea material de la calle. El uruguayo La Mugre Roja, es otro exponente de los sonidos radicales (industrial noise) que sabe combinar con dosis de dub y el dúo argentino Vlubä, exponentes de la psicodelia y los sonidos rituales, con innumerables grabaciones en sellos de diversas partes del mundo. A ellos se suma la participación de los peruanos El lazo Invisible, electrónica experimental de larga trayectoria; el trío conformado por Marco Mazzini, Teté Leguía y Pedri Fukuda, demostrarán el lugar que la improvisación ocupa en nuestro país. Por su parte Brayan Buckt (Ayahuasca Dark Trip) y Liquidarlo Celuloide serán los encargados de mostrarnos las rutas que la psicodelia (en su vertiente electrónica drone y rock) viene tomando en los últimos años en el Perú.

La discusión teórica no podía faltar, el argentino Norberto Cambiasso, uno de los más lúcidos críticos musicales de su país, dará una conferencia magistral sobre la actualidad de la experimentación sonora en nuestros países y la relación entre tecnología y espacios de exhibición.

Integraciones I se convierte así en un encuentro que abre las fronteras y apuesta por la diversidad y las búsquedas más experimentales y quiere dar a conocer la actualidad; el sonido que en este momento nace en la región.

Texto: Luis Alvarado

Audiosesion Paisaje III - viernes 1 de julio

2011-07-01T21:01:13Z

Un emotivo concierto se realizó en los exteriores del Centro Fundación Telefónica, como cierre de la exposición "Naves sin Puertos: Silvania, 20 años después". Esa noche la banda Resplandor abrió el show, para luego dar paso a la sesión de mezclas a cargo de Mario Silvania, quien junto a las decenas de personas que acudieron al recital, recordó a su compañero de toda la vida Cocó Revilla, con quien dio forma a Silvania a principios de los noventa, convirtiéndose en un hito para la música pop experimental en Iberoamérica.

Silvania es, sin duda alguna, una de las bandas más significativas en la historia del electro pop internacional. Desarrollada entre Valencia y Madrid, hace ya 20 años, por los peruanos Mario y Coco, es un ícono de la libertad creativa. Este viernes 1 de Julio se conmemora un aniversario más del nacimiento de Coco, quien falleció en 2008 en la ciudad de Madrid.

Resplandor

Mario Silvania

Exposición: Naves sin Puertos - 20 años de Silvania

2011-06-15T15:11:28Z

Naves sin puertos - 20 años de Silvania
Archivo gráfico, fotos, discos y videos
Del 17 de junio al 2 de julio

Celebramos los 20 años de creación de una de las bandas más exitosas y representativas del pop internacional: Silvania, dúo gestado entre Valencia y Madrid por los peruanos Mario Silvania y Coco Silvania, quienes exploraron las posibilidades sonoras desde sus principales influencias como Brian Eno, Cokteau twins, Zombies, Byrds, left banke entre otros, desarrollando un proyecto con espíritu propio que logró constituirse como una banda de culto en Europa y en nuestro país.

La propuesta de Silvania transforma, entre otras cosas, a la guitarra eléctrica -generador de ecos, capas de sonidos atmosféricos manipulados tecnológicamente y entramados bajo la estructura melódica del pop, sin temor al riesgo sonoro. El trágico fallecimiento de Coco en setiembre de 2008, detuvo la intensa carrera de Silvania,Cielo sin embargo su influencia y su vigencia en la escena electro pop sigue en pie, siendo una referencia imprescindible en las vanguardias musicales de nuestro siglo.

Audiosesion Malambo - jueves 28 de abril

2011-04-26T15:04:55Z

-Dengue Dengue Dengue!

Experiencia audiovisual tropical, con ingredientes de dub, techno, guaracha, dubstep, tribal, cumbia villera, cumbia colombiana y sobre todo chicha y cumbia psicodelica del Perú.

http://www.denguedenguedengue.com/

- Elegante

Proyecto personal de música electrónica experimental de Daniel Martinetti actualmente conocido como Danny eM por su trabajo como dj/productor.
El sonido de ELEGANTE trata de reflejar las emociones que provoca la caótica ciudad de Lima al viajar por sus alrededores. Asu vez integra este sonido con el producido bajo su nuevo alias Elegante & La Imperial nombre con el que fusiona distintos ritmos. Musica totalmente influenciada por el sonido Combi.
El proyecto Elegante se inició en el año 2000 y editó su primer trabajo en CD titulado Desvaneciendo lp En el año 2004 y en el año 2009 se da inicio a los primeros trabajos como Elegante & La Imperial.

http://www.myspace.com/elegantepe

Simbiosis - Fotos

2011-02-04T17:44:03Z

Simbiosis - Concierto - Poesía Sonora Electroacústica

2011-01-13T21:08:47Z

"SIMBIOSIS": CONCIERTO QUE SE DESLIZA ENTRE
LA POESÍA SONORA Y LA MÚSICA EN FUNDACIÓN
TELEFÓNICA

• Performance de música, multimedia y de poesía estará a cargo de los
reconocidos artistas Márcio André (Brasil) y Martín Gubbins (Chile).

Lima, enero de 2011.- En el marco del "Festival de Poesía Experimental Poéticas
Plurales" que se desarrolla en el Centro Fundación Telefónica desde noviembre de
2010, se realizará el concierto "SIMBIOSIS", recital de poesía sonora a cargo de dos
importantes representantes de esta corriente en Sudamérica: Márcio André (Brasil) y
Martín Gubbins (Chile).

Esta audición de poesía sonora brindará al público la oportunidad de apreciar y
acercarse hacia los límites de la música experimental en la que la voz se confunde y
diluye con los sonidos para manifestar y develar los actuales rumbos de esta forma
poética.

El artista chileno Martín Gubbins será el encargo de abrir el concierto con una
intervención de poesía sonora donde confluirán las voces y los dispositivos
electrónicos. Seguidamente, el artista brasilero Márcio André presentará una fusión
sonora de voz, sonidos electrónicos e instrumentos tradicionales acústicos que
estará matizada por una interesante propuesta multimedia.

El concierto se realizará el día jueves 20 de enero a las 8:00 p.m. en el Auditorio
de Telefónica, ubicado en la calle Enrique Villar cuadra 2 s/n (altura cuadra 11 Av.
Arequipa), Lima.
El ingreso es gratuito y la capacidad limitada.
Para más información, visite
www.fundacion.telefonica.com.pe/centro
o
www.facebook.com/fundaciontelefonicaperu

Laboratorios del subterráneo: entrevista con Johann Merel- Terocal

2011-01-13T20:35:51Z

Recuerdo que un amigo coleccionista de vinilos que solía viajar por todo Latinoamérica- ignoro donde se encuentre en estos momentos- me dijo que la escena de Lima siempre tenía algo de especial a diferencia de otras como las de Brasil o Argentina. La escena es chica, pero sus integrantes son siempre mucho más freaks, singulares, sobretodo en sus relaciones entre sí. Hablo con Johann Merel, Terocal, subimos el volumen de algunos de sus temas de electrónica inclasificable, urbana, subterránea, y me viene a la mente todo ello. ¿A qué suena esto? No es ni trip hop, ni dubstep aunque los ritmos son intensos. No es drum and bass o breakcore convencional, aunque suena sobrecargado, sucio y por momentos casi tirando al noise. Siento estar con uno de esos tipos extraños, altamente creativos y que hay que escuchar con cuidado pues siempre tienen algo interesante y productivo que decir sobre lo que escuchamos "¿Qué tiene de peculiar la escena de Lima que no tienen otras que hayas conocido?", alcanzo a preguntarle, luego de que me contara muchas de sus experiencias en las movidas de Inglaterra, país al que se fue a estudiar sonido desde hace unos años. "La escena en Lima ha crecido, pero aún tiene como dos caras, hay toda una confusión en el medio. La gente como que todavía no la aclara, no sabe si se trata de una fiesta electrónica así más pachanguera, o un concierto más metido, más underground, concentrado en la música. Hay un montón de gente que esta en el medio: va a un lugar que piensa que es una cosa y termina metida en otra cosa". Sin duda, una más que interesante conversación sobre la electrónica que reproducimos a continuación.
]]> Cuéntanos un poco más de estas de impresiones que te llevas de la escena electrónica de Lima...

De la última vez que me fui... es como si nunca me hubiera ido en verdad. Me quedé muy proyectado con las cosas que vi, un montón cosas funcionando. Antes era así pero éramos menos, solo la gente que conocías y otra más. Había un lado más comercial, como siempre, pero había un lado más underground que la mayoría de gente no conocía. Era más como cada quien con su grupo sin que se conocieran entre sí. Ahora es diferente, veo que te puedes dar con gente haciendo lo mismo que tu por otro lado. Ahora por las redes sociales está todo más conectado, veo a más gente conectada.

¿Algunos recuerdos de las dificultades de esa época anterior?

Recuerdo que hicimos una fiesta en el 97 que se llamaba Laguna mental, en el Golem. La organizamos junto con Seizo Lozano (Kid Solano), con quien después haríamos Menthal. Fue una p.., pues perdimos un montón de plata: nos dimos cuenta que el guachimán estaba revendiendo las entradas afuera. Igual el concierto estuvo increíble, el sonido excelente. La idea era hacer un soundsystem, un sistema de sonido que funcionara siempre para las fiestas.

Igualmente te lograste hacer un lugar más que interesante con tus participaciones. ¿Qué nos puedes decir de tu musicalización de "Carmen" de Bizet? Debe haber sido complejo para un música de electrónica adaptar una ópera..

Me acuerdo de lo diferente que era de la música que estaba acostumbrado a escuchar. Era una música que no era sólo música, sino que mostraba una historia que estaba metida muy fuerte en el sonido. No era cien por ciento música, debías mantener el concepto de la obra, a lo que se dirigía. Recuerdo que estaba con Juan Carlos Barandarián en ensayos donde tuvimos sesiones con la mezzosoprano... él tenía una gran expectativa de lo que iba a sonar, nos daba el concepto de cómo quería que fuera la pieza. Era una pieza que de no ser por él no me hubiera interesado tanto. Y a la vez, me hizo entender mucho de la música clásica, de sus formas, que no son tan complejas o inaccesibles como pensaba.

¿Y qué nuevas actividades y expectativas tienes con la música en esta nueva etapa de Lima? ¿En qué nuevos proyectos te encuentras?

Aparte de la universidad en Inglaterra, estoy en un proyecto de armar una caja de ritmos. He producido ya los módulos que generan los sonidos, el clon original, y ahora estoy en el proceso de hacer el secuenciador y los demás sonidos. Tengo además acceso a los equipos para imprimir las placas, y armarlo. De lo que voy a hacer ahora en Lima, voy a dar un taller de sonido para la Casa Ida, lo cual es lo más inmediato. Es algo que siempre he querido hacer, ser de algún modo una interfase, traer información. En los noventas la gente comenzó a hacer la música a pesar que de algún modo no podías llegar a ella. Uno salía del colegio, desempleado, era muy difícil acceder a la música. Ahora con el Internet, es mucho más sencillo. Lo que quiero es más que todo que la gente llegue a tener la fascinación por el sonido, como funciona, el modo en que afecta a la gente no sólo directamente, digamos a nivel comercial por ejemplo. No hay nadie en el mundo que no disfrute de la música, es una parte fundamental de la vida que no es como por ejemplo, como el alimento: a diferencia de él la música la puedes producir tu mismo. Quiero que la gente entienda que puede ser autodidacta si tiene sólo las bases, pues por el nivel de información en la web es importante. La música esta dentro de uno y se debe entender el sonido para poder sacarla de allí.

¿De qué modo pasó eso en tu caso? ¿Qué mutaciones o cambios tuvo esta producción de la música en tu carrera?

Yo creo que básicamente los cambios salen del ambiente en el que estas, de estar en la calle. Recuerdo haber escuchar algo así de Public Enemy... ellos no entendían tanto el techno porque se daban cuenta que el ritmo de la calle es mucho más lenta. Como cuando caminas, por ejemplo, el tiempo es bastante más lento, de si estas en una fiesta. Cuando empecé a hacer música tenía esa influencia más urbana del sonido.

¿Como definirías esos cambios en ese sonido?

La gente antes hacía música minimal no porque era "cool", sino porque había menos recursos, comenzaban a usar la voz de otro modo también como un recurso nuevo. Las máquinas te permiten hacer música sin necesariamente entregar tu vida a un instrumento y eso se notaba. Pasaba algo como en el punk, la gente dice que aprendes tres acordes y ya puedes hacer música. La electrónica no necesariamente coincide en el tipo de música punk, pero si en la actitud bastante anarquista. Ya en Inglaterra, a partir del 2003 las propuestas que salieron de esa actitud pusieron mucho más comercial, toda la protesta de la gente de electronica de los ochentas y noventas se volvió más comercial.

¿Dirías que en otros géneros no pasa ello?

En otros géneros que no son electrónicos veo más convicción hacia la música, mucha gente me parece que escucha la música electrónica como si fuera de fondo, más que tratar de entenderla. Es distinto en otras propuestas: el hecho de tener una banda, tener alguien ahí moviendo las baquetas, y el otro transmitiendo energía corporal, hace de que haya algo distinto al sonido como sonido. Por ejemplo, en los conciertos de música electroacústica o concreta, el músico esta en frente a los parlantes, detrás de la audiencia o en medio de la audiencia, el escucha igual que todo el mundo y estás en la misma nave que el músico, más que estar viendo una imagen en el display.

¿Y Menthal? ¿Cómo definirías su trabajo en estos años, en este contexto?

Menthal es una plataforma de producción, es una forma de tener un output. Nunca fue hecho con fines comerciales o con fines más allá, de botar lo que había. Creo que estamos en proceso a que haya más músicos y propuestas musicales que oyentes para ello... el porcentaje de músicos históricamente era una cuestión más minoritaria, en la edad media, en las cortes por ejemplo, era un pequeño grupo y tenía que ser subvencionado. Ha llegado la época en la que ya no necesitas este estímulo para crear.

Alguien podría decir que eso es así por en Inglaterra, donde tal vez la gente tiene más tiempo o dinero para hacerlo..

Igual hay gente que no tiene los recursos y que no se mete porque viven no necesariamente en otro mundo, pero viven en su mundo. Trabajo no falta, pero no necesariamente están interesados... Igual ahora con cualquier computadora puedes hacerlo y todo el mercado ha cambiado por el Internet.

¿Dirías que ello no ha sido necesariamente malo para la calidad de las producciones?

Ha sido una reacción a la manipulación de las corporaciones musicales tradicionales, de las que creo que quedan pocas de ellas. Todas han sido compradas por las otras, queda EMI, Sony..y creo que Warner ya la compró la Sony hace un par de años. Antes tenían más control, había mucho más el asunto de cazadores de talentos que encuentran músicos y los vuelven un éxito. Tenían algo, invertían y lo producían, creaban todas estas leyendas que hay de música hasta de los noventas... todo era como un producto para hacer en masa: conocen un músico, le presentas un productor y lo venden y lo venden hasta que se quema, y cuando eso pasa ya están produciendo algo nuevo. Ahora también pasa, pero mucho menos.

¿Y el underground no vivió de ello, de su diferencia con todo ello?

El undergorund era más como una mecha que siempre estaba ahí corriendo prendida..

¿Y reventó?

Si, ahora ya reventó. Con la tecnología, las computadoras, los softwares...se intensificó todo... En Inglaterra en los noventas se comenzó a tener acceso a las computadoras para hacer secuencias y ahí empieza todo el jungle. Desde antes todo fue cosa de recursearse. El house fue hecho con maquinas que fueron fracaso de la industria, como Roland sacando la TB-303 con la 606 que eran como el compañero ideal del guitarrista que "no tenia amigos". En una programabas la línea de bajo y la otra la secuencia de batería... estas dos maquinas eran como obsoletas para un guitarrista que quería escuchar un sonido realista. Y lo que paso fue que toda esta gente que tenía estas maquinas pensando que eran una maravilla, terminaron vendiéndolas en tiendas de segunda mano... toda esa gente que quería hacer música comenzó a usar esas maquinas y recursearse, no fue de otra manera. Las maquinas que costaban 20 dólares, ahora valen 1300 y sirvieron durante este tiempo para producir música. Con esto se desarrolló el hip hop, el primer electro con máquinas que eran todas cachineadas. Ya cuando llegaban a los estudios los músicos conocían los drum machines y cosas así. Recuerdo que me vendieron una 606, en una tienda de refrigeradoras como un secuenciador de discotecas. El tío no tenía ni idea..,, me fui regresé y me salio algo de sesenta soles.. Ahorita esa máquina estará, en buenas condiciones 450 dólares.

¿Y del otro lado del espectro, que nos dirías de la música más bien de academia que te impresione como el underground?

Hubo un concierto en el ICA de Londres, donde tocó Bernard Parmegiani, que era estar en otro planeta. De verdad, ojalá que tengamos a ese tipo por mucho tiempo más. Estaba en medio de la audiencia con un mezclador gigantesco, conduciendo lo que toca. Son composiciones, es decir, no está siendo hecha en tiempo real, pero las representaciones siempre son distintas. Fue una experiencia increíble.

Cuéntanos un poco de Tecla, tu proyecto musical con Amir shoat y Joe Zeitlin. Vemos que se mezclaba un poco la electrónica con la academia de la que viene también. En el concierto que dieron en Casa Ida fue realmente impresionante cuando hicieron esas improvisaciones con Cello.

Tecla es música electrónica en tiempo real, música electrónica que llegas a tocar sin ninguna base rígida. Llegas con varios elementos, algunos los usas, otros no, algunas de las que solo necesitas un toque de alguna por ahí. En eso esta la complejidad. Ahora el software ha cambiado tanto que al final, lo que buscamos es música que no se pueda reproducir. Si alguien de algún comercial lo quiere tocar, o alguien quiere hacer un cover, se le va a hacer más difícil que hacerlo que a nosotros. Me parece que se ha perdido mucho la improvisación, el contacto con el otro y que lo que se produzca sea impredecible.

¿Qué es lo que se ha ganado exactamente entonces?

Creo que la industria creó un animal que se comió la cola. Sacaron el tape, los cassettes, pero si querías escuchar un buen cassette, la primera copia era la mejor. Con los discos la cosa cambió a nivel de calidad de sonido y destruyeron. Con lo digital se perdió totalmente la dificultad de producir un disco. Las computadoras pueden grabar, tocar música y se perdió totalmente la dificultad de producir música en buena calidad

¿Y la difusión la música?

De hecho es ridículo que un mp3 te valga un dólar, y que el disco te valga 10 dólares, cuando es prácticamente lo mismo. Con el disco tienes la imagen, el plástico, la carátula ¿Donde esta todo eso? ¿Dónde esta el dinero de la distribución del mp3?. La música debería costar, no sé, cincuenta céntimos.

¿Y el trabajo de la producción? ¿No esta ahí la fuerza de trabajo que se paga?

Claro, pero antes igual se pagaba la producción e igualmente te daban un disco o un vinilo aparte de ello.

¿Pero no crees que, por otro lado, la tecnología ha hecho que la música sea una experiencia más hedonista, individualista? Digo, a diferencia de experiencias con la música más sociales como escuchar un vinilo.

A mi me gusta escuchar en vinilo, creo que ahí hay este respeto por tener la música de manera táctil. Creo que el ser humano es bastante visual, por naturaleza. Si estas en un cuarto y escuchas una voz no vas a aceptar que no hay nadie fácilmente. Es común aceptar que la música es más real que algo más abstracto. Pero igualmente, la jerarquía nunca queda clara y pasan cosas con ello. La gente de electroacústica por ejemplo, le gusta tocar en la oscuridad, para que igual la apreciación de la música no se pierda de vista en ellas. La tecnología musical en buena cuenta define la música que se puede hacer, como pensaba Luigi Russolo.

Y a nivel de la composición, ¿dirías que conocer más la tecnología te vuelve accesibles nuevas posibilidades de sonido como las que vives en Tecla?

Definitivamente, se trata de conocer el sonido, de conocer la técnica para luego tener poder tener libertad en ello. Eso es lo que busco siempre y buscamos justamente traer también con el taller de sonido.

www.myspace.com/terocal